Créer à partir d'une autre oeuvre, est-ce encore créer ?

Elle a un petit côté amusant cette histoire... "Sacrée" Cecilia Giménez... En plein débat sur les caricatures, elle impose son style, son humour, son esprit décalé... Transformer le Christ en singe, il fallait le faire ! Aurait-elle trop étudié les écrits de Charles Darwin ?

 

Penser qu’une œuvre d’art ne dépend que d’elle-même, que l’artiste l’a créée ex nihilo est une pure vue de l’esprit. Il suffit, pour s’en convaincre, de tenir le raisonnement a contrario : une œuvre créée à partir d’une autre n’en serait pas une. Si tel était le cas, Olympia de Manet ne serait pas une œuvre, puisqu’inspirée de la Vénus d’Urbin du Titien ; Le Déjeuner sur l’herbe du même artiste, inspiré du Jugement de Pâris de Marcantonio Raimondi, subirait un sort équivalent. Toutes les variations peintes par Picasso autour de cette toile seraient aussi à exclure. L’Atelier de Courbet, pour la composition duquel une gravure d’Henri Valentin servit de modèle, n’existerait pas davantage et il en serait de même de toutes les interprétations, de tous les détournements – dont le célèbre L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp.

En musique, l’Ouverture 1812 de Tchaïkovski serait à rejeter, dans la mesure où l’on y retrouve des notes de La Marseillaise ; exit également Lemon incest de Gainsbourg dont la mélodie reprend l’étude op. 10 n°3 de Chopin. Et, en littérature, il faudrait vouer aux gémonies Jean de la Fontaine pour sa réécriture d’Esope et Racine pour avoir tiré Phèdre d’Euripide.

Il est bien entendu inutile de multiplier davantage les exemples pour démontrer l’absurdité du raisonnement. Créer à partir d’une autre œuvre n’a rien de condamnable et les références au passé que l’historien de l’art met en lumière lorsqu’il analyse l’œuvre d’un artiste ne prouvent pas, loin s’en faut, l’existence de plagiats. Ils témoignent simplement d’une continuité qui est l’histoire de l’art même. Le plagiat relève d’une autre nature ; la médiocrité qui, le plus souvent, en découle sert à le révéler.

Quelle question !! Créer à partir d'une autre oeuvre, est-ce encore créer ? Créer ? Sans doute vos "créateurs" vivent dans un univers à eux seuls où il leur suffit de dire que l'idée soit et l'idée surgit de rien. L'idée qu'il y a création est ridicule. Mais je reconnais que la mode a beau être idiote, certains s'efforcent de la suivre de peur d'être ridicules. Il est utile pour certains de mettre en avant cette image de la production intellectuelle (artistique scientifique etc) Mais "la création" c'est comme les Dieux des religions anciennes. Ils existent d'une certaine façon mais leur sinistre nature réel échappe aux croyants.

Une œuvre prend sa liberté dès l’instant où l’artiste décide qu’elle est terminée ! Il garde, bien sûr, les droits sur sa création, mais elle ne lui «appartient» plus vraiment. Cette inspiration est sortie de son corps, de son esprit, de son âme et c’est le regard des autres, qui va interpréter, transformer, déformer, sublimer son intention première…

Inspiration, plagiat, c’est un «faux problème», mise à part la volonté de copier, de revendiquer une œuvre dont on n’est pas l’auteur... Un artiste, est un être en perpétuel éveil, sensible à tous ce qui l’entoure, avec ses capteurs ouverts ! Depuis l’enfance, il emmagasine des émotions, des impressions, des ressentis, pour digérer ce qui l’entoure, le réinterpréter, l’imaginer sous d’autres angles. Vous ne savez pas pourquoi, des années après, c’est le conte de «la belle au bois dormant» qui s’inscrit sur votre toile. Ou vous avez, subitement envie de récréer la matière du mur que vous venez de frôler… Le vert turquoise tiré des pages d’un magazine de mode.

Parfois c’est mieux de ne pas expliquer le pourquoi des choses… L’inspiration, c’est comme un fil fragile qui nous vient du «divin», à ne pas contrarier, ni briser. Vous commencez votre œuvre, à partir d’une idée simple, d’une couleur, et elle vous emmène vers un ailleurs. C’est le reflet de vos inquiétudes, de vos bonheurs, de votre inconscient. Par exemple sur ce collage, mon «idée source» était de traiter les paillettes (à partir de collages de journaux)… et c’est devenu «le crépuscule de la vie».

Le Crépuscule de la vie, Fleurmultico : une œuvre réalisée en 2009 à partir de collages d’images de journaux. L’idée de départ était de travailler sur les paillettes et, au fur à mesure de la réalisation, la déchéance de la vieillesse est venue s’imposer, avec le visage qui se couvre de rides… Une note positive, cette femme brésilienne au centre, qui malgré son âge certain à les brillants de malice et de joie de vivre !

Les réappropriations de Vik Muniz

Il est donc bien évident qu’en allant visiter des expositions, s’imprégner de la vision, de la technique d’autres artistes, elle va à nouveau ressurgir. L’œuvre de l’artiste «inspirant» est considéré comme un matériau de base, au même titre que le tube de peinture ! Le créateur va le malaxer dans son intérieur, se le réapproprier et le ressortir à l’image de son propre univers, c’est ce voyage, ce cheminement, qui en fait une nouvelle création.

D’ailleurs, l’exemple parfait pour ce débat est l’artiste, plasticien brésilien Vik Muniz, né à Sao Paulo en 1961. Né d’une famille pauvre, il a commencé par travailler dans la publicité l’image et le graphisme et déménage à New-York en 1984. Un jour, il a l’idée de projeter des œuvres connues sur le sol, et les reconstitue à partir de média inhabituel solide ou liquide : des ordures, du chocolat, des diamants, du caviar, du sang… puis les photographies. Par son travail, il «recopie» des œuvres de Picasso, Cézanne, Gauguin, Monet, Warhol…

La Joconde est faite avec du beurre de cacahouète, le Semeur de Van Gogh recomposé à partir de fleurs, bout de bois, branchages, et observable sur une passerelle à 6 mètres de haut !

«Il réinterprète des œuvres, souvent très connues dans l’imaginaire populaire, créant un monde à la fois familier et différent de l’original», explique le galeriste responsable de l’exposition Yvon Lambert.

«Je ne viens pas de ce monde là. La première fois que mes parents sont entrés dans un musée, c’était pour voir une de mes expositions, je garde toujours ça en tête et n’imagine jamais un public spécialisé.», Vik Muniz parle de la «retrouver la magie de la représentation, indépendamment du résultat».

Il expose "son musée imaginaire" jusqu’au 13 mai, au musée d’art contemporain en Avignon.

Sources sur Vik Muniz : le Point.fr / Madame.lefigaro.fr/ Culturenews/ artforbreakfast

La notion d'intertextualité est beaucoup plus large qu'on peut croire. Elle a été développée dans les années 60 avec Julia Kristeva et théorisée en 1982 de manière très précise par Gérard Genette dans «Palimpsestes». Mais ce que les gens oublient, et en particulier les écrivains qui s'abritent derrière l'excuse de l'intertextualité pour justifier des recopiages, c'est que l'intertextualité comprend le plagiat. C'est un très mauvais argument de défense. L'intertextualité est en fait la présence dans un texte d'autres textes, la notion est extrêmement large. D'ailleurs, les exemples que Genette donne sont la citation et... le plagiat.

Qu'est-ce qui, dans ce phénomène de l'intertextualité, va nous permettre de distinguer le plagiat de d'autres formes d'emprunt qui sont de nature créative ? On pourra dire que le plagiat est un emprunt servile, un auteur va reprendre dans son propre texte des passages d'autres textes, voire éventuellement les modifier, mais cela n'apporte pas de plus-value.

La question qu'on nous pose, c'est est-ce que c'est de l'art, de la création littéraire et artistique ? Qu'est-ce qui permet la créativité alors même qu'on n'a pas ajouté de matériau, et pourtant c'est nouveau et c'est original ? L'emprunt créatif, c'est bien la reprise d'un texte précédent que l'on va s’approprier et modifier dans une nouvelle perspective pour créer une œuvre neuve.

L’exemple le plus concret, ce sont les réécritures des oulipiens. Par exemple, Marcel Bénabou crée des «double haïkaï», ce sont des textes qui consistent à prendre le début de chaque vers d'un poème antérieur et de les coller avec la fin de chaque vers. C'est une réécriture, puisqu'il n'y a pas un seul mot ajouté, mais cela peut donner des résultats artistiques tout à fait étonnants. La technique est très proche de ce qu'on appelle le collage en peinture, ou du sampling, en musique.

Le code juridique ne protège pas l'idée mais la manière

Il faut que l'on juge, que l'on apporte une appréciation sur l'originalité de cette nouvelle création. Comment on va opérer ? Ces emprunts s'intègrent-ils dans une vision nouvelle, dans une interprétation originale ? Le choix des morceaux porte-t-il une originalité en soi ? Porte-t-il la marque personnelle de l'auteur ?

Le tout est de voir l'impression créative et le travail de choix et de composition. Parce que sur le plan juridique, ce qui est protégé par le code de la propriété intellectuelle, ce ne sont pas les idées mais l'expression, la manière, la concrétisation formelle de l'idée et la composition. Cela veut dire que l'agencement, le choix d'agencement peut refléter un geste artistique, une démarche originale. Voire que la composition n'est pas un simple bricolage mais une véritable recomposition artistique. C'est le rôle du critique ensuite de juger la portée artistique du travail des oulipiens quand ils créent des poèmes ou des textes à partir d’œuvres sources.

Je sais que l'exposition «From Here On», dont j'étais l'un des commissaires, a déclenché des discussions et des polémiques, c'était dans ce sens qu'elle était envisagée. Il s'agissait de réfléchir à ce que le développement du partage d'images en ligne produisait sur la création contemporaine. Il y a eu une une focalisation sur la question des droits d'auteurs mais l'exposition ne portait pas que sur ce point : elle englobait la question des droits d'auteur dans une série de questions. Moi, ce qui m’intéressait vraiment, c'était de comprendre qu'on était à un moment de croisement, une conjonction entre deux phénomènes.

Il y a d'abord une sorte de banalisation des pratiques d’appropriation. On va bientôt fêter le centenaire du ready made de Marcel Duchamp, qui, en 1913, a été e premier à s'emparer d'un objet de consommation courante acheté au BHV et à le mettre dans un musée. Cela a généré une série de pratiques appropriatives, qui ont influencé à peu près toutes les avant-gardes du XXIe siècle : le dadaïsme, le surréalisme, le Pop-Art, l'art conceptuel, le postmodernisme... À tel point qu'aujourd'hui, l'appropriation est devenue une pratique absolument banale.

On s'approprie aujourd'hui des objets comme on aurait fait de l'aquarelle au XIXe siècle. En musique, le sampling est un élément courant, en architecture, on a des pratiques similaires... C'est valable dans absolument tous les domaines de la création. Il y a donc la conjonction de ce phénomène de banalisation des techniques d'appropriation, et d'une accessibilité aux images comme on n'en aurait même pas rêvé il y a dix ans.

Chaque progrès de l'accessibilité à l'image a bouleversé l'art

À l'époque, quand j'enseignais l'histoire de la photographie, le plus gros de mon travail consistait à trouver des images ! Aujourd'hui, en un simple clic, vous accédez à toutes les images auxquelles vous rêvez, mais également à celles dont vous ne rêvez pas, à celles que vous n'imaginez même pas trouver. Il faut comprendre ce que c'est que l'accessibilité, c'est une chose incroyable. C'est comme l'eau au robinet, autrefois, c'était inimaginable.

Dans l'histoire de l'art du XXe siècle, chaque moment de nouvelle accessibilité aux images a généré des modifications dans les comportements artistiques. Par exemple, l'invention du photomontage par les artistes dadaïstes, à la fin des années 1910, correspond exactement au moment où la presse illustrée se développait, ou le concept de magazine était inventé. L'accession de la télévision dans les années 50 à 60 a aussi bouleversé les pratiques artistiques.

Quand on interroge les phénomènes, on se demande souvent : «Mais qu'est-ce qui est nouveau ?» Mais quand on est historien, on se rend compte que poser simplement la question de la nouveauté n'aide pas à comprendre les phénomènes historiques, ça en occulte même la compréhension.

Il y a une forme de banalisation de l'art, et je m'en réjouis

Il faut envisager ce mouvement en termes d'intensité. La plupart des questions qui nous occupent se posaient autrefois : l'auteur, la qualité technique de l'image, le hasard, la technologie, la qualité faible de certaines images, le faire, l'amateurisme, le fait que l'artiste devient éditeur plutôt que faiseur... On se posait déjà toutes les questions mais là c'est beaucoup plus fort, et à force d'accumuler des intensités plus fortes, ça finit par faire bouger les lignes.

Avec la démocratisation de l'accès et du faire, vous n'avez plus besoin de savoir peindre, de connaître un métier, de maîtriser une technicité pour être capable de produire une image. Même chose pour la musique, les Sex Pistols nous ont appris qu'on pouvait faire de la musique sans savoir forcément jouer de la guitare. Pour la photo, avec la démocratisation de la photographie numérique, ce phénomène prend une ampleur qui la rend plus visible. C'est parce que les choses sont devenues presque caricaturales qu'on s'en rend compte et qu'on commence à se poser les questions de ce que ça produit, de ce que ça veut dire, de ce que ça remet en cause, etc.

Il y a une forme de banalisation de l'art, une perte d'aura par rapport à des valeurs que l'on connaît. Mais ce n'est pas parce qu'il y a une perte d'aura dans un domaine qu'il n'y a pas un gain d'aura dans un autre domaine. La photographie, qui est multiple, fabriquée à partir d'une matrice et donc reproductible, ne fonctionne plus selon le principe de l'unicat, mais elle nous fait gagner une aura de l'enregistrement du direct par exemple, que n'avait pas la peinture. On ne peut pas être rigide par rapport à ce qu'on perd, on est face à de nouveaux objets, face à de nouvelles règles de l'art, et personnellement, je ne peux que m'en réjouir, car les lignes sont en train de bouger. C'est un gain.

Il n'y a pas de création ex-nihilo : je pense que plus un auteur est imprégné de lectures et plus il est capable de produire une œuvre plus originale. Je ne crois pas que l’œuvre originale naisse sur un terrain vierge. Tout créateur est nourri des idées, des images, des styles des écrivains du passé, et c'est justement grâce à cette richesse là qu'on peut aller plus loin, renouveler les modes d'écriture, les styles...

Le palimpseste, qui est la figure sur laquelle Gérard Genette a construit sa définition de l'intertextualité, est le parchemin sur lequel on écrivait. Comme c'était un produit rare, bien plus que ne l'est le papier, on le réutilisait donc de nombreuses fois. On l’effaçait, on réécrivait, on l'effaçait, on réécrivait... Mais l'image du palimpseste, c'est cette superposition de couches de textes que l'on n'efface jamais complètement. Les traces restent.

C'est un peu la vision de Borges : la littérature est universelle, les œuvres sont anonymes, même si Borges lui-même signait ses œuvres. Peu d'écrivains sont prêts à s'effacer derrière cette production collective, mais l'idée est bien que tous les livres se nourrissent les uns des autres et que la créativité est d'autant plus dense, riche, et porte en elle le reflet des œuvres antérieures.

Pour l'artiste, de son point de vue de créateur authentique, l’œuvre doit s'imposer comme telle. Libre au récepteur d'apprécier sa qualité, et on sait à quel point les débats peuvent être polémiques, quand on pense au ready made de Duchamp, en sculpture. De même, en littérature, quand La Fontaine écrit des fables qu'il a puisées chez son prédécesseur grec Esope, a-t-il apporté son empreinte personnelle ? Oui, clairement, quand on compare les deux, on voit bien que la perspective est différente. Chez La Fontaine, la critique est bien plus virulente, les fables ont une visée satirique, bien plus estompée chez Esope. Il ajoute, enrichit, en particulier par les dialogues parce que La Fontaine met en scène et campe ses personnages. Esope était un modèle pour La Fontaine, qui l'a sublimé.

Quand en 1917 Duchamp nous à présenté sa fontaine, il a ouvert les portes de l'art contemporain. Se demander au XXIe siècle si telle ou telle autre méthode, support, médium, thème et j'en passe est ou non de l'art me parais parfaitement dépassé. Ce qui importe c'est ce que l'artiste apporte à l'art, pas l’œuvre d'art en tant qu'objet. 

Ci dessous, l’œuvre de Marcel Duchamp  «Étant donné 1° la cascade, 2° le gaz d'éclairage» qui fût la première oeuvre d'art en relief de l'histoire de l'art  (si vous excluez la sculpture...), où par un système simple et ingénieux l'artiste inclut de la profondeur à son tableau. 

Ensuite viens notre travail «Étant donné 1° la cascade, 2° la 3D» Image anaglyphe (à voir avec des lunettes rouge et bleu). 

Partir d'un objet, c'est l'élément de base de la création. La question est de savoir s'il y a un regard qui est montré sur l'objet, qui révèle l'objet. Chez Warhol, il y a création dans la mesure ou il reprend des images de magazines. Mais le problème c'est qu'en l’occurrence, il n'y a pas de grand regard sur l'élément de base.

D'ailleurs, pour prendre l'exemple des soupes Campbell, à propos des publicités et de la société de consommation, Antonioni a fait probablement mieux que Warhol dans «Zabriskie Point». Il a repris toutes ces publicités le long de ce road movie qu'il a filmé, mais il les a reprises avec un regard. On est devant ces publicités et on voit ce que représente leur irruption dans notre champ de perception, au quotidien.

L'objet devient une œuvre d'art distincte lorsqu'il y a re-présentation. Quand on la présente sous un autre angle, lorsqu'on fait ressortir telle et telle dimension qui était dans l’œuvre de départ et qui, d'un même coup, devient prépondérante. Il y a re-création à partir d'un élément déjà créé. On voit cet objet apparemment banal, qui est en réalité insolite car rien n'est banal au monde. Tout dépend de notre regard.

La question du plagiat est, elle, complètement différente. Rien n'est révélé de l’œuvre de départ, on est dans la copie inavouée, et en plus avortée. Il n'est pas question de jouer sur l'intertextualité, ce n'est pas de ça qu'il s'agit, il n'y a rien de révélateur, de re-présenté.

Tout l'art de la critique

Mais il ne suffit pas non plus de re-présenter pour que ce soit qualitativement fort. Par exemple, on peut considérer que Picasso est un homme qui travaille à partir de la peinture. Là où Turner essayait de regarder l'effet de la pluie quand on se penche par la fenêtre d'un train en mouvement, là où les impressionnistes essayaient de reconquérir la vision de la lumière indépendamment des représentations qu'on avait faites, à l'inverse, Picasso est un homme qui voit à travers la peinture. D'où l'énorme travail sur «Les Ménines», de 900 œuvres... On a bien quelque chose de nouveau avec tout le travail qui a été effectué par l'art contre les conventions antérieures. Les résultat est-il probant, révèle-t-il d'autres aspects fascinants que ce que l'on peut voir dans «Les Ménines» ? Je n'en suis pas convaincu. Ensuite, c'est tout l'art de la critique. 

La trilogie que j'ai écrite sur l'art du contemporain est un examen critique des œuvres présentées comme les plus significatives de l'art contemporain, et j'en ai tiré une comédie de la critique. J'estimais qu'un certain nombre de ces œuvres totémiques dans l'art mondial étaient surévaluées. J'étais conscient de faire à la fois un travail d'analyse et une comédie de la critique : comment des esprits aussi estimables ont pu s'agenouiller devant Jeff Koons, Daniel Hirst, Andy Warhol, Jean-Pierre Raynaud, Daniel Buren...

J'ai fait rire mon monde en citant ces gens extrêmement intelligents et cultivés soumis à la passion de la servitude qui se dissimule derrière un progressisme à tout vent. Ça crée ce que La bruyère aurait appelé le ridicule de la cour. Mon commentaire devient œuvre.

La création artistique mise en abîme

Les grandes œuvres qui ont été créées à partir d'une autre œuvre ont souvent été créées à partir d'un mythe littéraire tellement fort qu'il inspire encore aujourd'hui. C'est le cas de Don Juan, par exemple, de Tierso de Molina à Molière. Même chose pour Stoppard avec «Rosencrantz et Guildenstern sont morts» qui est parti de deux personnages secondaires d'«Hamlet», c'est une façon de reprendre «Hamlet» sous un autre angle. 

Il y a aussi la question d'une œuvre retranscrite dans un autre langage comme avec le cinéma, la «Mort à Venise» de Visconti est meilleure encore que la «Mort à venise» de Thomas Mann. Ou encore le «Decameron» de Fellini, il n'est pas moindre que le «Decameron» ecrit par Boccace.

D'une certaine façon, toute la création artistique est une mise en abîme : lorsque vous voulez re-présenter un humble bâtiment considéré comme banal à l'angle de votre quartier parce que tout à coup, vous ouvrez les yeux dessus pour en faire ressortir un trait saillant, d'une certaine façon, vous le re-créez.

L’expansion que prend Internet dans notre réseau créatif est indéniable. Télécharger, copier, coller, scanner et ensuite imprimer sont devenus des actions simples faisant partie de la vie de tous les jours. 

Les Rencontres Photographiques d’Arles 2011 ont mis l’accent cette année sur ces aspects où même la notion d’appartenance d’une image n’existe plus, où copier/coller/prendre sans demander pour recréer est devenu monnaie courante,… C’est dans ce bain bouillant de millions d’images qu’est né le Manifeste : « From Here On ».

Ce Manifeste s'axe sur la recréation de nouvelles oeuvres en partant d'oeuvres existentes. "Google Images" est un outil de recherche qui permet de trouver / copier / réutiliser des images existentes. L'effet va plus loin car l'appartenance de l'oeuvre originelle est mise de côté pour en créer une nouvelle. Plus qu'une création, nous sommes dans un problème éthique. La reconnaissance de cette pratique dans un grand festival photographique reconnu donne un signal positif autour de cette retransformation. Chaque protagoniste est donc présenté comme un artiste à part entière. De part ce Manifeste, c'est l'acte posé qui est mis en avant et non la transformation des oeuvres originelles.

La création d'une oeuvre se pose dans un acte et dans un mûrissement de celui-ci. Créer à partir d'une oeuvre existente met bien l'accent sur la création. Partir d'une oeuvre existente, c'est l'utiliser comme un outil et non comme le produit fini. Cela va plus loin car le message est clair avec ce Manifeste : les transformations étant infinies, l'oeuvre sera donc une nouvelle oeuvre d'une certaine manière.

La création à partir de rien n'existe pas. On ne crée pas à partir de la nature, on crée toujours à partir de la culture. Ce n'est pas moi qui le dis, c'est Ernst Gombrich, le grand historien d'art du XXe siècle. Voilà ce qu'on peut dire de cette question.

Créer... Qu' est-ce que cela veut dire «créer» ?

Depuis la nuit des hommes, on ne crée rien. Depuis au moins l'invention de l'écriture, on ne crée rien. On ne fait que réécrire à la couleur du temps dans lequel on vit. Tout a été dit et de mille manières. Et chaque manière enrichit la précédente et s'en nourrit.

Il y a seulement changement de regard. Le regard galope au fil des temps, des situations, des personnes... On crée avec ce que l'on a vu, entendu, emmagasiné, oublié. On part toujours de quelque chose en soi et hors de soi. Alors, bien sûr, «créer à partir de...», c'est toujours créer.

Quant aux bidouillages de toutes natures qui fleurissent ça et là, sont-ce des créations, des manifestes, des combines économiques, des aveux d'impuissance ? Le temps fait toujours le tri. Et oublie parfois, au passage, quelques perles rares. Rien n'est parfait.

Van Gogh est il un créateur ? Il n'a fait que réinventer les oeuvres de Millet. Lafontaine à réécrit les fables d'Esope, Miles Davis et beaucoup de guitaristes se sont inspirés de Jimi Hendrix qui s'est lui même inspiré de Curtis Mayfield et des plus anciennes formes de musiques pré-blues, quand Valérie Mischler redonne une seconde vie aux chansons de Bernard Dimey, est elle une créatrice ? Des jardiniers ont créé les plus belles roses à partir des églantiers, sont ils des créateurs ? Bien sûr que oui. Que peut on créér à partir du néant ? Qui ? Dieu, peut être...

 Il me semble qu'il faut distinguer dans ce débat la peinture de la musique.

Pour ce qui touche à la peinture, depuis que Duchamp a signé une pissotière et ajouté des moustaches à la Joconde, on peut considérer que tout peut devenir de l'art. Pourtant, il me semble qu'avec le ready made Duchamp n'est plus dans la peinture mais dans le discours. Il ne fait plus de la peinture, mais il fait au pire de la provocation, au mieux de la philosophie.

Si on le fait accéder au rang d'oeuvre on laisse entrer tout et n'importe quoi. Les merdes d'artiste de Manzoni sont devenues des objets de spéculations, quand elles avaient pour seul objet de provoquer le monde de l'art.

Du côté de la musique la question est plus compliquée parce que depuis le rap et les années 80  tout le monde a pris l'habitude de sampler à tour de bras et de faire des oeuvres de collages. Avec la techno c'est carément devenu une méthode industrielle de création.

En soi tout ça n'est pas franchement un problème, tant que ceux qui empruntent, font des collages, le font avec l'assentiment des auteurs.

La propriété intellectuelle a ceci de particulier qu'elle veut lier définitivement un concept au cerveau qui l'a pensé. Si le cerveau nous appartient (encore que...), qu'en est-il des idées qu'il diffuse en continu ? Le cerveau capte et organise des stimuli extérieurs, voire copie volontairement ou involontairement des fragments étrangers, et bien malin qui peut mesurer la valeur propre ajoutée en sortie de chaîne. 

Alors que les occidentaux sont dressés sur leurs ergots pour défendre la propriété intellectuelle de tout ce qu'ils pensent, jusqu'à breveter des bouts de codes informatiques, les asiatiques doutent de l'accaparement d'une immatérialité. C'est pourquoi la copie d'idées occidentales enfreint à leurs yeux des règles commerciales, mais certainement pas les règles morales d'acception commune. 

Il sera difficile de se comprendre quand les relations seront moins bonnes.  

La réutilisation des œuvres musicales était le combat de certains activistes américains comme Negativland, John Oswald, ou KLF et ce dès le début des années 80. Ils ont notamment développé le concept de Fair Use : dès qu'une œuvre est commercialisée, on peut piocher dedans comme on veux tant qu'on ne l'utilise pas directement sans la modifier. Il n'y a aucun droit à payer la personne qui a créé le morceau initial.

Negativland a sorti un 45 tours, en 300 copies, qui s'appelait «The letter U and the Numeral 2» juste avant la tournée Zooropa de U2. Le 45 tours consistait en une chanson qui utilisait l'intro du tube de U2 «I Still Haven't Found What I'm Looking For» et samplé Casey Kasem par-dessus. Casey Kasem était un animateur radio très populaire aux États-Unis, et dans l'émission qu'ils ont utilisé, il parlait de U2 comme des bouseux Irlandais dont il disait que c'est vraiment mauvais et que ça ne deviendrait jamais rien.

Voici un extrait du Traité de peinture de Vinci :

«Préceptes pour le peintre. Celui qui n’aime pas également tout ce qui appartient à la peinture n’est pas universel. Si par exemple le paysage ne l’attire pas, il dira que c’est une chose simple et facile à comprendre ; ainsi notre Botticelli disait que c’était une étude vaine, car il suffisait de jeter une éponge imbibée de diverses couleurs sur un mur pour qu’elle y laisse une tache où l’on pouvait voir un beau paysage. Il est bien vrai qu’on peut voir dans une telle tache différentes compositions de choses que l’on veut y chercher, têtes humaines, animaux divers, batailles, écueils, mers, nuages, bois, etc. ; c’est comme le son des cloches, dans lequel tu peux entendre ce que tu veux. Mais, bien que ces tâches te fournissent l’invention, elles ne t’enseignent à achever aucun détail.

Et ledit peintre a fait de très pauvres paysages. [MCM 93]»

Il s’agit, ni plus ni moins, que d’un débat autour de ce qui n’apparaîtra que 500 ans plus tard, à savoir «l’art abstrait». Art à part entière ou imposture ? Botticeli considérant que le hasard peut être considéré comme art, Vinci considérant qu’il doit y avoir un apport humain, une touche, un travail en plus de l’artiste à partir de ce hasard, pour considérer qu’il s’agit d’une œuvre d’art. Ce débat est inouï : on est en l’an 1 500. Les surréalistes feront un immense usage de ces taches ! 

Une œuvre d'art se qualifierait par l'intervention de l'artiste. Or, il faudrait presque «quantifie» cette intervention de l'artiste. En effet, peut-on parler (à égalité) de création, quand Vinci peint La Joconde et que Duchamps lui ajoute juste une moustache et 5 lettres ?